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DIMMU BORGIR. De la muerte a la eternidad.

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Han sacrificado mucho a lo largo de los años para hacer lo que hacen e incluso esas decisiones complicadas han sido saludables para ellos mismos. Han tenido que dejar muchas veces la confortabilidad del puente para lanzarse a un rio lleno de pirañas esperándote. Y eso es el primer paso para llegar a hacer algo realmente bueno de verdad. Decisiones difíciles, tesón y riesgo.

Consideran la banda como una familia, aunque durante las giras llegue ese momento de volverse locos unos con otros. Algo que es difícil de ver, pero necesario para supervivencia y lo mejor para cada uno. Este enfoque de la vida ha sido fundamental para la supervivencia y evolución de Dimmu Borgir desde el momento en que se formaron en Oslo, Noruega, en 1993. Han pasado por multitud de cambios de miembros y han sido considerados a partes iguales como salvadores y destructores del Black Metal. Pero desde un primer momento, sus fundadores Silenoz y Shagrath aprendieron rápidamente que la única manera de progresar es mantenerse unidos y ver su carrera como un proceso de aprendizaje colectivo.

Dimmu Borgir podría decirse que ha perfeccionado su música y habilidades de composición a partir de su 3r disco, Enthrone Darkness Triunphant de 1997, que incluía amplios pasajes de cuerda y teclados que transformaron a la banda de un grupo tradicional de Black Metal a una de las bandas de metal sinfónico mucho más creativo. Desde Puritanical Euphoric Misanthropia de 2001, Dimmu Borgir ha trabajado con secciones de cuerda y coros. Subieron el liston aún más en 2010 con Abrahadabra, que contaba con una orquesta completa (cuerdas, viento, percusión) y arreglos corales. Y con su último disco Eonian llegaron al punto de una opera de Black Metal multidimensional.

Algunas bandas de Black Metal tratan sobre atmosferas y brumosas y sobrenaturales. Otros tratan sobre el mal y la blasfemia, otros sobre la tristeza y el odio. Y unos pocos se dedican a tratar todos los temas anteriores, pero con autenticas melodías sangrantes. Y aquí con la grandeza de la variedad Dimmu Borgir son los reyes.

La encarnación inicial de Dimmu Borgir sonaba radicalmente muy diferente a lo que ahora consideramos su marca registrada. Había pocas voces limpias, ninguna gran sinfonía, Shagrath estaba a la batería y la personalidad de la banda todavía estaba envuelta en las características distintivas de la segunda ola del Black Metal, pero siempre con un toque propio y diferenciable. Hoy en día todo está mucho más disfrazado, pero en las primeras grabaciones su extraña malevolencia se manifestaba enormemente. En realidad, solo sus fans más fieles y longevos se acuerdan de eso, ahora estamos más acostumbrados a pensar en ellos como grandes orquestaciones, pero en sus inicios, su música era mucho más siniestra. En realidad, no terminó con el aumento significativo de su arte, la ambición y el valorar la producción que llegó a partir de Enthrone. Su esencia sigue ahí, tan solo hay que entender que suceden muchas más cosas alrededor de ella y así seguirá hasta que se extingan.

Sin embargo, las grandes oportunidades para Dimmy, los momentos en que prendieron la pólvora y su explosión llegó más allá del Black Metal llegaron un poco más adelante. Un gran cambio de formación llegó con la llegada del guitarrista Galder, el teclista Mustis, el ex baterista de Cradle Of Filth, Nick Barker y el bajista ICS Vortex, el cual aportó su voz más limpia como contraste con el grito visceral de Shagrath. Los álbumes posteriores, el excelente Puritanical de 2001 y su obra maestra de 2003 Death Cult Armageddon, convirtieron a Dimmu Borgir en la banda de Black Metal más grande del mundo.

No hay que olvidar que su paso a un territorio más sinfónico aun más grandioso no gusto a todos sus fans. Pero con la separación de bandas como Emperor e Inmortal hubo una ligera caída de salud del genero. El underground, el grindcore, el doom y el death metal disfrutaban de cierto renacimiento, y los fans del black metal querían llenar ese enorme vacío provocado por la caída de la segunda ola del black y se centraron en Dimmu convirtiéndoles en los auténticos regeneradores y recuperadores del propio género que los creo.

El carisma y la clase de Dimmu Borgir llevaron al black metal a una audiencia que nunca habría descubierto el genero sin ellos. Una generación de jóvenes descubrió en su época bandas como Mayhem, Burzum o Satyricon porque Progenies Of The Great Apocalypse es una canción enorme y accesible a un completo novato en el movimiento. La mitad de las bandas jóvenes que hacen que el black metal moderno sea más fuerte que nunca probablemente descubrieron que el género se volvió masivo desde el punto de vista sonoro de Dimmu Borgir. A la mitad del publico esas bandas les importaba bien poco sin Shagrath y Silenoz. Y eso sin sus asombrosos avances de la brillante rareza de la banda que con su último disco cambiaron completamente el panorama del black metal.

Dimmu Borgir está formada por gente inteligente y hacen lo que quieren en su área de negocio musical. La música de Dimmu Borgir es una mezcla hipnótica de brutalidad y melodía. Tomaron el black metal y lo enriquecieron con elementos sinfónicos y orquestales, creando un sonido único. La desgarradora voz de Shagrath se mezcla con grandiosas orquestaciones, creando un paisaje sonoro que oscila entre la belleza y la oscuridad.

El universo de Dimmu Borgir es una inmersión en la oscuridad. Sus letras exploran temas oscuros, que van desde lo oculto hasta la filosofía nihilista. Las imágenes de su álbum son igualmente cautivadoras, con elementos góticos y esotéricos. Escuchar su música es como entrar a una catedral donde se celebra la oscuridad misma.

EL BINOMIO DEL MAL. SHAGRATH & SILENOZ

Crecieron escuchando e idolatrando a bandas como KISS, WASP o TWISTED SISTER, bandas con una identidad visual muy fuerte. Algo que guardaron dentro de si y va de la mano de lo que expresan con su música.

Siempre se han considerado las ovejas negras de la comunidad de las ovejas negras como es la de la música más extrema. Sin seguir reglas, sin códigos de conducta, ni nada que pueda ir adherido a una etiqueta. Intentando durante toda su carrera seguir su propio camino alejándose de la mayoría y del pensamiento único. Algo que los ha convertido tan cercanos como dubitativos respecto al género que representan. Realmente se sienten conectados a la música que surgió de la vieja escuela, de la atmosfera que se genera, pero se alejan de la estrechez de miras que reina en el metal más extremo.

Respetan y entienden a sus rivales musicales, pero les encanta ese sentimiento de outsiders dentro de la propia escena. Nunca han querido que su música sea unidimensional porque entienden que de esa manera no hay crecimiento y eso es lo que les hace sentirse disco a disco cada vez más alejados de formar parte del Black Metal.

Y a pesar de sentirse pioneros del genero, su mentalidad más abierta les ha permitido estar siempre a la vanguardia y convertirse en una entrada de reconocimiento para el Black Metal mucho más extremo que ellos mismo.

ENTHRONE DARKNESS TRIUNPHANT. EL GERMEN DEL BLACK METAL SINFONICO.

Sin duda Enthrone Darkness Triunphant de 1997 ayudó a impulsar el Black Metal hacia una nueva era audaz. Este disco unió en carácter salvaje del genero a un nuevo enfoque dramático, dirigiendo el Black Metal hacia un sonido más sinfónico.

Durante aquella época existía un periodo de transición para el Black Metal, el frenesí mediático que había rodeao a la quema de iglesias y al asesinato del guitarrista de Mayhem a manos del miembro de Burzom había catapultado a la escena del Black a una mayor notoriedad en un momento en que el género estaba atrapado en su evangelio original sin ningún intento de nuevas experimentaciones.

1997 fue un año clave. Se publicaron discos de Emperor o Enslaved que ampliaron las posibilidades musicales, aunque lo que realmente fue clave para el crecimiento fue el festival Dynamo de ese año en Eindhoven. Donde en el segundo escenario dedicado al Black Metal se acabaría con la noción de sonido clásico con la actuación de Satyricon y Dimmu Borgir. Fue entonces cuando Dimmu decidió cambiar de una pequeña discográfica británica a los gigantes alemanes de Nuclear Blast.  Desde el primer momento sabían que se les iba a criticar porque aún se pensaba en que eran un genero underground pero una vez lanzado Enthrone Darkness Triunphant abrieron al mundo el Black Metal al sinfónico y supieron que habían dejado de ser una banda underground.

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YO SOBREVIVÍ AL CIRCO DE LOS HORRORES… ¿Y TÚ?

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El efecto del miedo, del terror, del horror, de la ansiedad en todo el cuerpo es en muchas ocasiones estimulante y psicológicamente, podemos sentir satisfacción o incluso esa sensación de triunfo cuando quien lo provoca desaparece. Nuestra respuesta al miedo es increíblemente compleja, pero al mismo tiempo, enfrentarse a lo que se teme se siente a su vez como una victoria y de hecho es bueno enfrenarse a ello.

El circo de los horrores engloba toda esa serie de sensaciones y mucho más desde el minuto uno. Desde el momento en que atraviesas el vomitorio y te das de bruces con el hemiciclo, sientes que has entrado en el infierno. Ya quisiera Alice Cooper recrear con tanto detalle una escenografía llena de todo eso que nos recuerda a los miedos de infancia que han perdurado hasta nuestros días. Su espesa niebla, sus luces móviles ensangrentadas hacen que apenas te sientes, tengas esa sensación de asfixia con risa contenida, pero fruto de ese desasosiego hacia algo tan desconocido como familiar como es el mundo del circo.

La locura empieza mucho antes de empezar, todo se convierte en una jauría de gritos, de movimientos, de personajes que deambulan entre el publico, sin sentido, en principio, de interacciones que descubres al final que no es más que un divertido y aterrador reconocimiento del terreno para lo que va a ser la interacción del demonio más canalla que jamás hayamos visto con su público a lo largo del show.

Con REQUIEM llegamos al final de Suso Silva, creador y maestro de ceremonias a lo largo de estos años del Circo de los Horrores. Un suicidio que comparte con quienes han sido sus fans durante años y con quienes desgraciadamente lo acabamos de descubrir. Y si bien los números circenses convencionales están embadurnados del attrezzo correspondiente a la naturaleza del circo y te alteran cada vez más a medida que avanza el espectáculo, el verdadero miedo se experimenta con las apariciones e interacciones de Suso.

Sus caracterizaciones de Nosferatu, de Lucifer o simplemente de loco deslenguado te hace viajar por toda la historia del mundo del Circo de los horrores sintiendo esa vergüenza ajena graciosa que no querrías para ti. Un temblor cada vez que sabes que va a simplemente monologar en busca de una victima propicia para su momento concreto. Golfo, gamberro, incorrecto, muy incorrecto. Te arrincona, te destroza verbalmente con esa clave de humor que es difícil de conseguir que aceptes pero que tanto eclosiona en forma de sorpresa y carcajadas en el resto de los espectadores. Capaz de hacerte sentir estrella en tesituras que nunca habrías imaginado haber hecho en público. Saltándose todas las reglas establecidas y, sobretodo obviando cualquier conducta, palabra u obra que en otro contexto sería más que suficiente para defenestrarte públicamente… y es que, por encima de todo, prolifera el gusto, la inteligencia, la ironía y las tablas para convertir el arte macabro, macarra y malsonante en un arte entendible y gozado por todos.

Suso con su Circo de los horrores juega con nuestras emociones negativas en un contexto seguro, igual que de pequeños todos hemos experimentado con dosis tolerables de ansiedad, suspense y miedo jugando al escondite sabiendo que el riesgo no es real. Consiguiendo que el miedo siga mucho después de dar por terminado tu participación en su mundo… y es que aún hoy seguimos pensando con ese miedo interno oculto… “menos mal que no se fijo en mi”.

RECOMENDABLE Al 100%.

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METALLICA. ¿CÓMO VENDER 2 NOCHES DIFERENTES A LOS MISMOS FANS?

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Con el concepto de actuar en un escenario enorme en forma de anillo y con un Snake Pit en el centro la banda está redefiniendo el significado de tocar en grandes estadios. Su elegante diseño circular, se complemente con 8 inmensas torres circundantes que crean un ambiente íntimo en el estadio mostrando perfectamente la fuerza de Metallica.

Desde el inicio, Metallica como muchas bandas, se alimenta de la energía del público, lo que sus conciertos se elevan a toda una experiencia. Toda gira en torno a la banda y con ellos todo es muy fácil. Un show de Metallica es 50% banda, 50% audiencia. Es una simbiosis banda con lo que James llama Metallica Family y eso es algo que los fans aprecian muchísimo.

Se trata de una banda que genera energía y se la entrega a su público. El público la toma, la amplifica y la devuelve a modo de empuje para que sigan dando lo mejor de ellos. Ese es el verdadero ciclo de un concierto de Metallica. Esa es la magia, la interacción entre la banda y los fans.

Para este tour se empeñaron en un escenario circular, lo cual desde el principio supuso una tarea enorme y costosa. Optaron por la forma más simple de la naturaleza, el circulo. No consiste en crear un circulo, instalarlo en mitad de un estadio y empezar a tocar. Querían que Lars se acercara al público, que el público se acercara a ellos y la opción más viable fue formar un circulo dentro de su circulo para crear el Snake Pit. Lo novedoso es que hay luces, video, audio, pero nada esta sobrevolando por encima de ellos. Así que se decidió crear otro circulo de torres para esas cosas. Todo está basado en el circulo, y todo alcanza un sentido cuando lo ves completo. Y aunque sea un show de estadio uno tiene esa sensación de cercanía e intimidad. Está pensado para que todo el mundo esté en circulo y cada uno tenga su propia experiencia este donde esté, sentado o de pue. Pensado para que la experiencia sea propia de cada uno. Porque en realidad no solo vas a mirar a la banda, ves un todo global de la familia Metallica.

Cuando miras el escenario y las torres, parece engañosamente sobrio y elegante. Parece desangelado, que esta demasiado limpio. Pero en realidad son 66 camiones, toneladas de material. En la primera parte de la gira han recibido muchas criticas al respecto, pero en realidad la visión es total e individual para cada fan.

Su espectáculo está hecho para que cuando entras al estadio estés dos o tres horas viviendo una experiencia y sea interesante no perderte nada. Todo es intencional. No hay nada que forme parte del show que esté fuera del escenario y por decirlo de alguna manera el fan está continuamente ante la cámara enterándose de todo. Porque en realidad no se busca ofrecer el mejor espectáculo de Metallica sino ofrecer una experiencia excelente e increíble que pueda ser compartida con ellos.

El set de luces está repartido por todo el escenario y parte del estadio incluidos los asientos para que incluso los fans sean parte del show y sea lo más divertido y sorprendente posible. Hay un set de 650 luces, el mayor que jamás ha llevado Metallica. Cierto es que la mayoría rodean a la banda y están instaladas en esas 8 torres enormes.

Todo ha sido construido desde cero, no han querido hacer un reciclaje de tours anteriores con otro aspecto. La idea fue que todo fuera único y hecho a medida para la ocasión.

Una de las cosas más innovadoras es la eliminación del elemento de la parte trasera del show en cuanto al video, no existe. Cada una de las 8 torres está envuelta esta vez en video, pero cuyo gran objetivo es crear con ellas un gran lienzo con sentido y no 8 partes individuales. Para ello se ponen en funcionamiento para las imágenes proyectadas del grupo 28 cámaras, más otras 8 desde las torres, más dos en cada batería. La mayor parte del tiempo están funcionando al unísono, ya que se trata de un espectáculo de 360º lo que permite que la banda pueda moverse por donde quiera. Como complemento llevan dos Spidercams que vuelan entre las torres y cada una cubre la mitad de la escena que se usan principalmente cuando Metallica se mueve por todo el escenario y para tomas proyectadas de la batería.

Las giras de Metallica son siempre un desafío. Y cada vez la cosa la complican más a nivel técnico. Con este 72S tour uno se va a encontrar algo que no esperaría para un estadio. El escenario al medio del reciento, las pantallas de video en las torres, el sonido en las torres, las luces en las torres. Todo ha sido un verdadero galimatías de ingeniería.

Realmente se han tomado mucho tiempo y esfuerzo en que todo saliera perfecto. Todo empezó en un taller en Bélgica. Donde hubo todo un ciclo de pruebas y comprobaciones para que todo encajara. Se aseguraron que todos los departamentos estuvieran involucrados al mismo tiempo y que la construcción fuera realmente fácil tanto de montar como de desmontar sin problemas. Y la primera prueba oficial se llevó a cabo bajo una lluvia torrencial que les demostró que, si bajo esas condiciones había salido perfecto, podían afrontar una gira completa con las condiciones que fueran. Sin duda el éxito estuvo en una cuidadosa planificación y en ultima instancia en la ejecución.

El siguiente paso fue alquilar en los Estados Unidos el estadio Metlife de NY y recrear allí todo el set de la gira, para de alguna manera familiarizar a la banda con el espectáculo completo. Aunque se tuvo que hacer algunas modificaciones para abarcar más espacio escénico. Y todo funcionó como esperaban.

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LOVE AT FIRST STING… EL DISCO EN QUE PICARON AL MUNDO.

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¡Scorpions celebrará 40 años del mítico disco “Love at First Sting” con la mayor gira por España de su historia!

La mayor banda continental de heavy metal está de vuelta y lo hará a lo grande. Su gira “Celebrating 40 years of Love At First Sting Tour” será un hito en su carrera. Un disco que los catapultó a la fama, con éxitos como “Rock You Like A Hurricane”, “Still Loving You” o “Big City Nights”, que ya forman parte del imaginario colectivo de todo amante del rock and roll del mundo.

¿Pero cuales fueron los secretos de aquel disco que los catapultó al estrellato mundial?

  • EL DISCO.

No muchas bandas disfrutan del mayor éxito de su carrera con su noveno álbum de estudio, pero precisamente fue lo que hizo SCORPIONS cuando lanzaron su LOVE AT FIRST STING el 27 de marzo de 1987.

Durante casi 20 años habían esperado su momento al margen de conquistar los Estados Unidos, mientras se construían una carrera musical respetable lejos de su Alemania natal durante los años 70’s.

Los miembros de la banda ya estaban entrados en edad (para las bandas de la época) cuando empezaron a moverse por Los Angeles a finales de los 70’s. Despues de todo habían estado tocando por Europa desde 1965, cuando Rufolf fundó la banda en Hannover. Su traslado a los Estados Unidos coincidió con un cambio de sello discográfico y la incorporación de un joven guitarrista llamado Mathias Jabs, lo que inició el periodo más exitoso de la banda.

Sin duda, la formación de aquella época con Schenker, Jabs, Meine, Buchholz y Rarebell fueron la mejor encarnación de la banda. La música que crearon en esos cuatro álbumes es tan profunda como amplia.

Al comienzo de la nueva década, las tendencias musicales del rock se dirigían hacia terrenos un poco más comerciales y SCORPIONS junto a otros veteranos europeos como judas Priest, los jovencísimos Iron Maiden y Def Leppard estaban listos para cosechar sus recompensas. Los últimos vestigios de las anticuadas influencias de la banda de los años 60’s y 70’s habían sido sabiamente desechadas con antelación, junto con el mago de la guitarra Uli Jon Roth. Eso los dejó solos con Rudolf Schenker como compositor del exitoso “Blackout” del 82’.

Y llegó “LOVE AT FIRST STING”. El disco fue grabado entre 1983 y 1984 en los Dierks Studios de Stommeln, Alemania. Pero las sesiones iniciales tuvieron lugar en los Polar Studios de Estocolmo en el verano del 83 con los ex miembros de Rainbow Jimmy Bain y Bobby Rondinelli a la batería, pero nada de aquellas sesiones iniciales llegaron al álbum final. Con la particularidad que fue uno de los primeros álbumes de heavy metal grabados digitalmente.

Con la ayuda del veterano productor Dieter Dierks, el resultado del disco fue una retahíla de éxitos individuales. Fue un disco realmente profundo fon material de mucha calidad alternando rock con canciones pegadizas, melodías estimulantes y ese grano de heavy metal que sin duda mantuvo y acercó a los más fans del heavy metal.

A parte de la música en sí, el disco no tenia nada realmente pesado. Fue simplemente el reflejo de un momento feliz con melodías de fiesta una detrás de otras. Si, hay un par de declaraciones políticas poco entusiastas, pero incluso eso se pierde y no se aprecia en una vorágine de trabajo de guitarra brutal y letras pegadizas.

“Bad Boys Running Wild” ese en realidad la version heavy de “Boys Are Back In Town”. “Big City Nights” es el valor nominal rockero que ofrece la oportunidad de cantar a todo pulmón. “Rock You Like Hurricane” es esa canción heavy que nadie se queja, aunque sea ajeno al genero de escucharla una y otra vez. Y “Still Loving You” fue la poderosa balada indiscutible de la época. Klaus Meine será uno de los cantantes más subestimados del Heavy Metal, porque la mayoría piensa en Halford, Dio o Dickinson como los vocalistas por excelencia. Pero la voz y su rango con este disco lo lanzó por encima de los cantantes de otras bandas del momento.

Todas estas canciones llevaron al disco al #6 y a unas ventas multiplatino en todo el mundo y la mayor gira de su carrera musical. Sin embargo, surgió mucha controversia por la imagen de la portada. La sensibilidad americana se sintió ofendida pero aún así no pudieron evitar el éxito de Scorpions en el país. Fue un éxito aún más dulce de los alemanes cuando fue un año en que tuvieron que competir con grandísimos discos de Motley Crue y Ratt en los Estados Unidos.

El hecho de que los Scorpions existieran en 1984 era más que una sorpresa para muchos. A parte de la salida continua de dos de sus guitarras solistas de manera poco amistosa, años atrás la banda casi se disuelve por los problemas de Klaus después de diagnosticarle que nunca más podría cantar. Pero tras una cirugía complicada volvió con más fuerza.

  • LA CANCIÓN.

Para cuando la banda y el productor Dieter comenzaron a componer “Love At First Sting” era obvio que los tiempos difíciles en la banda los habían unido mucho más, comprometiéndolos a todos mucho más en la banda y su creatividad. Rudolf le presentó a la banda una canción que había comenzado a hilvanar durante la gira de Blackout, una canción fuerte, atrevida y pegadiza y que necesitaba algunas letras para ella.

Dieter entendió que ante la fuerza de la música se necesitaba una lírica potente que costó de encajar después de 9 propuestas rechazadas por Dieter con solo escuchar la primera estrofa. Finalmente recurrieron al batería, Herman, porque era el tipo de los dobles sentidos y las insinuaciones y de repente sacó la letra perfecta. Era muy sexual, una auténtica locura y sobretodo muy rockera… simplemente era perfecta para los 80’s.

En retrospectiva, la letra de “ROCK YOU LIKE A HURRICANE” probablemente no pasaría por los filtros sociales y políticos de hoy en día pero no se puede negar que la combinación de obscenidad traviesa y ganchos ocultos convirtió a la canción en un éxito desde el primer momento en todo el mundo de manera instantánea tras su lanzamiento como single en febrero de 1984.

Cuando el manager escucho la canción en vivo por primera vez tuvo claro que era un éxito rotundo y empezamos a notar que habíamos dado en el centro de la diana. La canción era top en todas las radios americanas y cada vez se daban cuenta y eran más conscientes de lo que habían creado.

A día de hoy está considerada como uno de los mayores himnos del rock de los 80’s y ha estado continuamente en los set list de Scorpions desde su publicación. Habiendo sido utilizada en innumerables programas de tv, series, películas y anuncios convirtiéndola en parte de la cultura popular de una década.

  • SUS SECRETOS

Capacidad de adaptación:

La mayoría lo hemos conocido en los 80’s, sus melodías y sus riff pesados fue lo que nos enganchó. Sus ritmos simples pero melódicos con una entrega poderosa nos enamoraron. Pero Scorpions venían de ser una banda tipo jam de los 70’s y se transformaron en algo elegante en los 80’s haciéndolo a la perfección.

La huella Schenker:

Rudolf no es para nada un guitar hero, pero es un mago componiendo, creando canciones, combinando acordes y sumando melodías canción tras canción a lo largo de los años.

Abrieron puertas:

Debieron ser tremendamente inspiradores para los músicos alemanes y del resto de Europa. Ver una banda de rock alemán cantar en inglés, y conquistar América haciendo giras por estadios debió ser toda una luz para el resto de bandas. Siempre se necesita una banda para gritar que es posible, y fueron Scorpions. Hay mucho metal alemán de primera calidad, pero de alguna manera ellos fueron los primeros en llegar a radios internacionales. No importa tu edad, ni tu nacionalidad, simplemente su música funcionaba en todos los rincones del mundo.

Son camaleónicos:

Su diversidad musical es un amor a primera vista para el público. Pueden ir desde grandes baladas hasta grandes canciones de rock súper pesadas pasando por instrumentales sorprendentes. Y lo más increíble es que podían embutirlo todo en el disco.

Son longevos:

Ni ellos pensaron en sus inicios que durarían tanto. Pero han demostrado que ni ellos saben cuando será el momento de dejarlo. Puede que aparezcan bandas de moda pero cuando aparece SCORPIONS en el poster las miradas van a ellos. Como dicen ellos… “tener calor es genial, pero mantenerse caliente es realmente impresionante”.

Su legado es un tesoro:

Descubrir a Scorpions con Blackout o Love at first Sting está bien, pero cuando escuchas sus primeros discos quedas impresionado de lo adelantados que estaban a su tiempo. Con una producción realmente pesada para su época. Es algo realmente intenso cuando experimentas esa sensación.

LOVE AT FIRST STING marcó un antes y un después en la vida de Scorpions. Los convirtió en una de las bandas no solo más grandes en Estados Unidos, sino tal vez a nivel mundial. Tener en aquel disco Rock You Like A Hurricane provocó que el disco fuera un éxito instantáneo. Que luego se afianzó con la otra cara del rock, Still Loving You.

Después de años, y de pagar sus cuotas hasta llegar a la fama, incluso con la salida de sus dos guitarras legendarios, demostraron como de profundo era el talento de la banda. Hasta día de hoy, “LOVE AT FIRST STING es el ejemplo perfecto de una de las mejores bandas de todos los tiempos descubriendo su piedra filosofal. El siguiente disco en vivo, “WORLD WIDE LIVE” apoyando el disco, demostraría cúan grande se había vuelto todo alrededor de SCORPIONS. Se lo ganaron todo de la manera más difícil y, lo más importante, de la manera más correcta.

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  • LA GIRA

Cuatro ciudades: Valencia, Chiclana de la Frontera, Madrid y Gijón son las elegidas para una celebración única con una producción con todo tipo de detalles espectaculares.

 11 de julio de 2024, Valencia, Marina Sur

 13 de julio de 2024, Chiclana de la Frontera, Concert Music Festival

 16 de julio de 2024, Madrid, WiZink Center

 21 de julio de 2024, Gijón, Tsunami Xixón Festival

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RAMMSTEIN: UN INFIERNO DE GIRA.

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Rammstein no son los embajadores que la Alemania moderna quería, pero son los embajadores que consiguió.

Ver a Rammstein en directo es una experiencia increíble. No se puede hablar de Rammstein sin mencionar su presencia escénica. A lo largo de los años la banda ha ido elevando la cantidad de potencia de fuego y pirotecnia en directo. Su gira por estadios multiplica por 10 todo lo que habían hecho hasta ahora. Un espectáculo, sin palabras para describirlo.

Pero todo tiene un secreto, un por qué…

EL SONIDO Y EL VIDEO, SU OBSESIÓN.

Francamente Rammstein a día de hoy tiene el mejor espectáculo musical con el mejor sonido en directo.

Ningún fan que se preste a verlos en directo sale de su show decepcionado por el impresionante despliegue técnico de recursos que escupen cada noche. Un espectáculo lleno de llamas, explosiones, luces y un sonido con una claridad asustadiza. Y es que la banda suena en cada concierto genial, a pesar de solo hacer estadios consiguen sumergir completamente al público en la música.

Todo empieza en su almacén de Berlín, donde se envía todo el equipo técnico, ya armado y configurado para estadios, para permitir testear a cada miembro de Rammstein aquello que va a utilizar en la gira antes de probarlo todos juntos durante semanas para luego montarlo en estadio y empezar sus ensayos generales.

Para adaptarse a cada estadio la plataforma de audio tiene un sistema ampliable con cuatro torres de retardo y hasta ocho posiciones para eliminar reflejos no deseados. Estructurado en un sistema creado por sus ingenieros que facilita el montaje y pasando de 6h de trabajo a tan solo 2 con un equipo de 10 técnicos especializados especialmente para su sistema de sonido.

Habiendo decidido en producción hacer del video parte importante del diseño de la gira, los ingenieros y diseñadores especificaron un sistema de video que consta de una pantalla de video LED de cinco metros por nueve metros. Diseñada de manera automatizada para subir y bajar por la enorme torre central del escenario de 27 metros a una velocidad de 0’4 metros por segundo.
Debido a su recorrido en grandes estadios, la pantalla está reforzada para evitar problemas de viento, va guiada por un conjunto de rieles verticales que permiten soportar un viento de 15 metros por segundo.

Para lanzar las imágenes a las pantallas LED usan dos servidores, un procesador de escala de imágenes. Todo ello coordinado con un paquete de 4 camaras. 2 frontales, 2 de boxes y un sistema inalámbrico remoto de seguimiento de cámaras y 1 cámara inalámbrica. Aunque en esta gira es la primera vez que Rammstein utilizaba tanto el video, les quedó claro que fue igual de aplaudido por la banda que por el público.

Con todo este despliegue técnico se ratifica la preocupación de la banda por tener un sonido claro y potente para proporcionar la mayor calidad en cualquier lugar con más de 200 parlantes y subwoofers para disfrutar de todo tipo de texturas sónicas.

SU LOCA CONFIGURACION DE PIROTÉCNIA.

Desde sus inicios Rammstein ha sido sinónimo de explosiones y pirotecnia innovadora e incomparable.

Till ha sufrido múltiples quemaduras en el cuerpo por su amado interés en dominar el fuego. Y después del incidente en el Arena de Berlín en 1996 donde parte del escenario cayó sobre el escenario, Till se formó como pirotécnico autorizado y a medida que han ido haciendo giras ha insistido en subir el nivel de fuego en escena.

La configuración de su escenario es una especie de catedral post apocalíptica con multiples capas de llamas que estallan hacia el cielo de manera sincronizada, y cuatro pilares gigantes en la parte trasera del estadio en continua erupción. Algo realmente asombroso que puedes oír a más de 15km de distancia y cuyas llamas saltan por encima de cualquier estadio de Europa.

Su proceso de trabajo consta en primer lugar es ver el tamaño donde tienen que tocar y elegir sabiamente el diseño final para que las autoridades lo acepten. Hay que entender que cada sitio tiene sus reglas diferentes de tolerancia y hay que pasar el plan para que los bomberos (100) en cada lugar den el ok. Con un gasto de más de 4000 litros de combustible.

Rammstein aportó un nivel completamente diferente a lo que se puede hacer con explosiones y llamas. Cambió la industria en este sentido y ha hecho que sean admirados por ello. Su secreto, la utilización de licopodio, un polvo amarillento que crea llamas gigantes relativamente fáciles de controlar.

SU LOGÍSTICA ROMPECABEZAS

La logística de una gira de Rammstein es como completar un puzle de 10.000 piezas de 500 kg de peso por pieza. Si ya cuesta encajarlo, imaginaos moverlo. Y no sólo es un tema de transportar equipos y personas, también se trata de almacenar equipos e instalarlos.

Rammstein utiliza alrededor de 250 empleados propios y unos 300 más extras locales. Añadiendo 140 técnicos y managers de las diferentes áreas que engloban su concierto.
Todo lo necesario se transporta en alrededor de 90 camiones con un peso total de casi 1350 toneladas.

Para el transporte de la banda y unos pocos seleccionados cercanos a la banda viajan en jet privado mientras que alrededor de 150 personas que acompañan permanentemente a la banda viajan en 6 autobuses turísticos totalmente equipados para todo tipo de confort y descanso.

El primer paso para montar el galimatías es descargar todo el equipo. Para ellos los camiones que llevan las piezas más pesadas, son los primeros en descargar en el estadio.

Después es necesario levantar la estructura de 50 toneladas que soportará las luces, el equipo de sonido y los elementos suspendidos en el escenario. Una vez completada esta primera fase se procede a la instalación de los equipos de pirotecnia, sonido, iluminación que sean móviles. A medida que todo va encajando empiezan las pruebas de las distintas secciones para terminar con una prueba de sonido llevada a cabo por cada técnico de instrumento.

En cada concierto se monta en Backstage una especie de mini empresa. Oficinas equipadas donde el equipo de Rammstein gestiona cada movimiento y exigencia de la banda. Incluido un comedor completo donde parte del equipo cena, en algunos casos la banda, con la única exigencia que todo quede resuelto antes de que empiecen sus teloneros.

Y como no podía faltar, traen consigo un camión dedicado a tienda de merchandise de la banda.

Finalizado el concierto, mientras todos salimos del estadio comienza el desmontaje en el orden inverso de como se montó.

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METALLICA: ¿POR QUÉ NUNCA HABRÁ OTROS COMO ELLOS?

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Hay muchas bandas dentro del metal que han llegado al estatus de legendarias, pero a día de hoy pocas o ninguna parece que es capaz de igualar a Metallica en términos de éxito comercial. ¿Cómo es posible algo así?

La verdad es que no es porque sean mejores, ni más originales, ni más rápidos ni más pesados. La verdadera razón de esta popularidad es… una combinación de varias cosas.

La verdad es que Metallica se beneficiaron mucho los días previos a la llegada de Internet, como todas las bandas famosas de los años 80’s y 90’s y anteriores. De hecho, se aprovecharon de la falta de conocimiento de la gente sobre lo que realmente estaba pasando en el mundo de la música.

¿Por qué este punto fue tan importante para ellos? Es simplemente una cuestión de lógica inversa a la que existe hoy en día. ¿Por qué los grandes músicos no pueden distinguirse hoy en día? Porque sinceramente hay demasiado alboroto en la red. Cualquier persona con un móvil tiene contenido para compartir y escuchar.

Es muy difícil sobresalir a día de hoy por el exceso de bandas y músicos en todas partes y para la mayoría de los fans es complicado distinguirlos. En otras palabras, en esa época no había demasiadas bandas y la gente no conocía que había otras opciones por la falta y lo limitada que era la información.

Los dos puntos fuertes de METALLICA fueron que tenían músicos con buenas habilidades para escribir canciones y estaban bien comercializados entre del ambiente y la escena de la época.

Cuando METALLICA empezó a dar sus primeros pasos, la NWOBHM aún no había llegado a los Estados Unidos, principalmente por la falta de información y comunicación global. La mayoría de los fans solo conocían a IRON MAIDEN y JUDAS PRIEST, pero desconocían muchas otras bandas que en Europa emergían con nuevos sonidos.

De 1983 a 1989 si escuchabas a Metallica, Slayer, Megadeth, Anthrax o Exodus pensabas que era la música más pesada del planeta. Sin embargo, casi nadie sabia que tanto en Europa como en Estados Unidos había crecido una escena underground con bandas que tocaban mucho más rápido y fuerte que las más populares. Eso provocó que bandas reducidas como Metallica que llegaron las primeras diera la impresión que eran las únicas y los fans se centraran en ellas únicamente.

Nadie sabía que una escena mucho más pesada se estaba forjando en Tampa, Florida, desde 1986, a menos que lo vieran en una revista de casualidad o algún amigo viajará y lo contará de viva voz. Bandas como Death, o Morbid Angel comenzaron en 1983, al mismo tiempo que Metallica, pero en Florida. Del 1983 al 1988, bandas como Carcass o Napalm Death fueron pioneras en el metal extremo en Inglaterra. Pero en general, la gente solo conocía un número limitado de bandas como las más pesadas: Metallica, Slayer, Anthrax y Exodus. De hecho, seguramente si debutaran hoy, se perderían en internet entre otras muchas bandas. Cuando el Metal Extremo estaba de moda (le decíamos Thrash Metal) nació aquella ola que duró desde 1983 hasta 1990.

Y fue en 1991 cuando apareció el BLACK ALBUM, donde cambiaron su sonido porque el metal estaba en todo su apogeo y todo el mundo estaba metiéndose en él, y en ese momento sabían que venían otras bandas mucho más pesadas que ellos. Así que tuvieron que adaptarse y diferenciarse cambiando de dirección. Algo que no paró como cualquier banda nueva de haber llegado en ese momento, trataron de adaptarse a lo que estaba pasando y daba dinero y popularidad en la MTV y canales radiofónicos.

A día de hoy escuchamos una y otra vez a gente de la industria preguntándose quién serán los próximos Metallica. Y es comprensible que la industria desee que haya otra banda de metal tan masivamente popular. Porque esta música cuando se convierte en la corriente principal de moda, crea un ecosistema económico subyacente completo, tanto a corto como a largo plazo.

Cuando Metallica sale de gira, todo dios que está cerca o relacionados con la banda ganan dinero, desde gerentes, promotores, empresas de merchan, anunciantes, vendedores etc.  Y a largo plazo atraen a tantos nuevos fans que gastan cantidades de dinero increíbles en todo tipo de productos relacionados con la banda.

Posiblemente si analizamos el panorama musical, el estilo de música, las tendencias y como ha evolucionado la industria de la música, quizás nunca más haya una banda como Metallica, ni siquiera un grupo que se les acerque, porque el tiempo en el que vivimos es muy difícil destacar como a principios de los 80’s. Hay miles de bandas de metal que atraen a millones de fans en direcciones diferentes. Y no es algo negativo, y si maravilloso, porque el metal nunca ha sido tan diverso y rico artísticamente como hoy en día, pero los días de las bandas nuevas que se convierten en universalmente amadas y veneradas han terminado.

Además, los principales medios de comunicación y radios no se preocupan por este estilo. Los amplis a 10 de volumen, los gritos, aún alejan a mucha gente, el genero está lleno de estereotipos estúpidos. La música hoy en día ha pasado a segundo plano en cuanto al entretenimiento, puede sonar absurdo, pero hay un millón de otras formas de pasar el rato: televisión, cine, series, videojuegos, móvil, redes sociales incluso algunos se decantan por la lectura. Y para ser honesto no es cuestión solo de los jóvenes, es todo el mundo.

¿Cuándo fue la última vez que te sentaste frente a tu estéreo – si es que tienes uno – y escuchaste un vinilo de principio a fin? Es cada vez más raro. La música ha pasado a un segundo plano para todos excepto para algunos pocos fans más incondicionales.

Metallica estuvo en el momento adecuado en el sitio correcto y eso le proporcionó esa diferenciación que los hizo tan grandes hasta el día de hoy… ¿Otros Metallica? Tal como entendemos a ellos, creemos que no.

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HARD ROCK AND METAL BEBIDAS ESPIRITUOSAS Y CERVEZA

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ELECTRIC DRINKS

DANKO JONES “Me han dicho que tenemos el mejor show de rock del planeta”.

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¡Dicho y hecho! En medio de la peor pandemia de los tiempos modernos, la banda de hard rock de Toronto que lleva el nombre de su elocuente líder lanza su décimo álbum de estudio, “Power Trio” y es que el significativo título no sólo resume la línea de planteamiento de los once nuevos cortes que aquí se presentan, sino que el álbum también celebra el 25 aniversario de esta intransigente banda. Un cuarto de siglo sin dar importancia a las tendencias y modas, muy en la gloriosa tradición de Motörhead y AC/DC y que vendrá mañana a presentar a nuestro país.

DANKO JONES Publicity photos for Power Trio. Toronto. March 7, 2021. Photo by Dustin Rabin – 2847

1.- Después de todo lo sucedido es momento de presentar de una vez “POWER TRIO”. Un disco sin novedades, rock directo de calidad que no necesita más. En la línea de vuestra filosofía. ¿Sois de los que pensáis que si algo funciona no necesita cambiar en exceso?

¿Sin innovaciones? Creo que es mejor decir sin novedades. Creo que es bastante innovador que haya una banda como nosotros. Sabemos en lo que somos buenos y nos mantenemos firmes en ello. Continua la gran tradición establecida por bandas como los Ramones, Motorhead, AC/DC y Slayer.

2.- Lo cierto es que “Power Trio” es un disco brutal que cualquier fan del rock que os conozca con él se va a quedar completamente enganchado. ¿digamos que es el disco madurativo del puro rock sin florituras y de vuestra extensa carrera ya de 25 años?

No creo que sea un disco maduro, un historial maduro querría decir que nuestros esfuerzos anteriores no fueron tan buenos. Creo que todos nuestros discos son buenos. Las bandas tienden a usar palabras como maduro, progresión, crecimiento, desarrollo y evolución, piensan que son palabras positivas para describir su música. Bajo mi punto de vista creo que esas palabras son negativas dentro del mundo del rock. El Hard Rock es mejor cuando es indesarrollado, inmaduro y atrofiado.

3.- Si tuviéramos que resumir la esencia del disco diríamos que es la representación de 3 músicos que suenan duros como una roca. Algo que muchos han intentado, pero pocos han conseguido. ¿Cuál es la formula de vuestra simbiosis entre la música, tres músicos únicamente y los fans que os han llevado a vuestro éxito?

Podría decir eso. Creo que los tres realmente hemos llegado a una longitud de onda que no se encuentra fácilmente. Rich Knox ha estado con la banda durante 10 años y a veces tienes que esperar para encontrar el ajuste adecuado. Actualmente estamos a tope y es una banda imparable.

4.- Ahora tenéis una gira por España. 4 fechas en un momento que el país está repleto de conciertos. Significa tener mucha fe en el mercado español. ¿Sientes que España es un país que ama vuestra música?

Todo lo que puedo decir es que todas nuestras giras, después de la pandemia han tenido más éxito del que habíamos pensado. Sabíamos que en España se vive el rock, así que esperamos que todos los rockeros disfruten del espectáculo. Cada vez que tocamos en España son los mejores conciertos de la gira.

DANKO JONES Publicity photos for Power Trio. Toronto. March 7, 2021. Photo by Dustin Rabin – 2847

5.- Bilbao, Barcelona, Valencia y Madrid… salas seleccionadas donde el publico esta muy cerca del artista y se funde fácilmente con el show. ¿A parte de la música, del rock directo y pasional los fans son parte del show creando esa atmosfera de fundido artista – fan?

¡Por supuesto!. Si no hubiera un público que nos viera tocar, no sería un concierto, sería un ensayo. Me gusta hablar entre las canciones, creo que el público de esa manera aprecia que realmente queremos estar ahí y participar con ellos. Me parece casi insultante cuando una banda sube al escenario toca sus canciones y se va diciendo buenas noches. Es casi como si no quisieran estar allí. Confía en mi, queremos estar en los escenarios de España.

6.- ¿Para los fans que ya te conocen qué les dirías para incentivarlos a ir a los conciertos, ¿qué de nuevo a parte de nueva música vais a ofrecer para ir a veros?

Solo podemos ofrecer nuestro espectáculo. Si nos has visto antes, ya sabes lo que esto significa. No habrá trucos si es eso a lo que te refieres. Sólo habrá hard rock 100% puro. Interpretado por 3 personas a las que les encanta tocarlo. Nunca he visto nuestro show desde fuera pero me han dicho que es el mejor maldito espectáculo de rock del planeta.

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CERVEZAS MUSICALES

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ELECTRIC DRINKS

GENE SIMMONS “KISS NACIÓ DE LA FUERZA DE VOLUNTAD DE 4 HOMBRES SIN NADA”

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Hace ya 50 años un auténtico sin nada tuvo quizás fruto de la nada, quizás fruto de esa imaginación que despierta no tener nada la idea de formar una banda de rock bajo el sueño de grandeza de llegar a convertirla en la mayor banda de la historia de la música americana. Gene Simmons, junto a su inseparable Paul Stanley hizo nacer KISS. Hablar de Gene Simmons a modo de presentación es tan innecesario como presentar la banda al completo. De sobra se sabe la historia, pero ¿has llegado a pensar que se esconde detrás del mayor demonio del infierno del Rock?

No creo que haya nadie en el mundo de la música que mantenga el nivel de KISS en cuanto a popularidad y presencia a pesar de los cambios de formación. ¿KISS es algo más que 4 tipos rockeando o KISS son Paul y Gene?

Kiss empezó como una idea hace 50 años en la ciudad de Nueva York. Cuatro hombres que nunca habían logrado nada que se encontraban en cualquier lugar. Creamos el nombre, los logotipos, la marca y lo subimos hacia arriba sin empresas de marketing ni gerentes ni discográficas. No sabíamos nada de nada, solo que teníamos a KISS y nada más. Pero cuando pienso en ello entiendo que la mayoría de las grandes ideas las crean las personas que no tienen nada, que nunca han conseguido nada y no han tenido ninguna experiencia. Desde luego jugamos otra liga a la mayoría, pero por supuesto no somos diferentes a las personas que tienen grandes ideas, simplemente todo esto salió de la fuerza de voluntad que teníamos. Un poco Writht Bross con su ilusión de volar, o Steve Jobs con lo de internet o Mark Zuckergerg con sus múltiples empresas.

Kiss es la banda número 1 en premios en los Estados Unidos de todos los tiempos y en todas las categorías. Estamos en el RnR Hall Of Fame pero nada hubiera sido posible si no tuviéramos la pasión y la voluntad de superar todos los obstáculos y te aseguro que hemos tenido muchos.

Siguiendo con esto, en cierta ocasión uno de vosotros dijo que sería bonito que KISS siguiera como banda después de vosotros. ¿Crees que eso sería viable o estaríamos ante un hecho que degradaría la marca KISS sin al menos un miembro original?

No existe ninguna razón de peso por la que Kiss no pueda seguir sin ninguno de nosotros. De hecho, hace unos años estábamos pensando en tener una serie de televisión con un concurso que se llamara: KISS la nueva generación. La idea era buscar 4 nuevos miembros, que fueran capaces de llevar con orgullo la corona de KISS y asumir las responsabilidades.

Desde luego no estoy diciendo que estoy dejando de fumar, pero tenemos mucho que hacer y estamos más fuertes que nunca. Pero en algún momento tendremos que dejar de viajar. Y me gustaría pensar en que la banda continuara. De la misma manera nuestros hijos se apellidan como nosotros y siguen el legado en su vida hasta que se lo pasan a sus hijos.

Tantos años en esto… es fácil soportar el éxito pero después de tanto tiempo habréis tenido momentos realmente difíciles. ¿Nunca pensasteis que quizás había llegado el final?

Hemos tenido muchos momentos duros a lo largo de este viaje. La mitad de la formación original sucumbió a las drogas y al alcohol y tuvieron que salir de la banda por desgracia. Los nuevos miembros entraron y continuamos agotando entradas y consiguiendo discos de oro.

Luego durante la década de los 80 estuvimos 10 años sin maquillaje, nos quitamos nuestra marca y seguimos haciendo discos de oro y agotando entradas. Solo para demostrarnos y demostrar que la banda es incluso más grande que el propio maquillaje que usamos. Después nos saltamos nuestras decisiones y volvimos a la pintura con la formación original pero con la condición que estuvieran limpios y sobrios. El tour fue aquella vez el tour más exitoso de la tierra y ya ves que en 2015 continuamos siendo KISS quien ha roto los records de taquilla que tenían Elvis y The Beatles, teniendo más de 5000 productos con licencia KISS y comercializándose.

Por muchos discos que saquéis, al final la gente siempre quiere oír los clásicos, los aclaman, los aman… es algo normal, pero… ¿Esto no os da cierto grado de frustración cuando estáis defendiendo un nuevo disco y la gente importarle más lo viejo que lo nuevo musicalmente?

Siempre hemos creído en nosotros mismos a la hora de componer, pero los fans son nuestros dueños. Estamos aquí para cumplir sus ordenes y reproducir las canciones que quieren escuchar. Y para darles el mayor espectáculo musical del planeta tierra. Este ha sido siempre nuestro motivo de vida y siempre será así hasta que toquemos el último show.

Supongo que esto os habrá pasado siempre, yo recuerdo cuando escuchaba en un viejo casete LICK IT UP, y nuestros hermanos mayores nos decían que esos temas nunca serían como DETROIT ROCK CITY, O ROCK N ROLL ALL NIGHT, sin embargo con los años LIU se convirtió en un clásico. ¿Qué promedio necesita una canción nueva de KISS para convertirse en clásico?

Todo esto está controlado por los fans. Siempre ha sido así y siempre lo será en este mundo de la música. Los fans lo deciden absolutamente todo y con el tiempo y la llegada de nuevas generaciones van cambiando los gustos.

Hablemos de vuestros shows. Son algo más que conciertos de rock o quizás son verdaderos conciertos de rock donde la gente está de pie todo el tiempo. A parte de KISS y AC/DC no conozco ninguna banda de rock capaz de hacerlo. ¿Es algo solo al alcance de unos clásicos como vosotros, es algo que lleva intrínseca vuestra música, o es algo que se genera en el escenario y se transmite al público?

Es muy interesante que menciones a AC/DC. Estamos muy orgulloso de haberles llevado con nosotros en su primera gira internacional. Y nuestro mayor orgullo ha sido en haber ofrecido sus primeras giras con nosotros a bandas como Bon Jovi, Iron Maiden, Judas Priest, Rush, Cheap Trick, Motley Crue y muchos más.

Además de ser parte de una banda, también somos fans. A pesar de lo que la gente pueda pensar, escuchamos mucha música de todo el mundo y vamos a muchísimos conciertos. El hecho de que tuviéramos poder, siempre hemos querido ir acompañados de impresionantes bandas en sus primeras giras abriendo para nosotros.

A parte de todo esto, existe una gran carga escénica en KISS. Algo muy cuidado, muy refinado, muy teatral. ¿Un show no es solo música?

Uno no tiene que ir a un concierto para escuchar música. Puede hacerlo en su casa, en su coche en su ordenador etc. Las entradas para los conciertos son caras, muy caras y cuando alguien gasta ese dinero para ver un show en vivo hay que darle un sentido y un valor a cada billete que gastas en entrar. Nosotros invertimos mucho tiempo y esfuerzo y dinero en el diseño de nuestros conciertos para que se conviertan en algo más, en un espectáculo. Es algo que es caro, pero amamos a nuestros fans, y no nos importa darles lo mejor.

¿Podríamos definir un show de KISS como un show de actitud global que empieza con las primeras composiciones en maquetas pasa por la grabación de un disco convierte el concierto en un evento social y acaba en el final de cada concierto convirtiéndolo en algo más?

Todo empieza con una canción, la idea, las letras, los arreglos y la demo. Y eso que la mayor parte de las ideas no llegan a grabarse. Por cada bebé que nace hay muchos espermatozoides que nunca llegan al óvulo y nunca se fecunda. Cuando tenemos canciones para un disco, después pasamos mucho tiempo pensando cuales van a funcionar en directo. Y entonces tratamos de imaginárnoslas en directo con toda la gente delante. Ya que hemos de entender que nuestros shows son para escuchar con los oídos y con los ojos.

Tu puedes escuchar nuestras canciones en el coche, pero queremos que cuando tu veas esas canciones en directo le den otra dimensión, que tengan otra vida mucho más intensa en directo con todo lo que rodea al tema en vivo.

¿Esa actitud es la gran virtud que han perdido las bandas de rock contemporáneas, ese es el motivo de que no haya un relevo claro a los grandes monstruos del rock?

Es muy triste decirlo, pero mantengo mis palabras que dice hace poco: el rock está prácticamente muerto!. No hay muchas bandas excitantes actualmente de nueva generación. Piensa que desde 1958 hasta 1988 tuvimos a Elvis, The Beatles, Rolling Stones, Jimi Hendrix, Pink Floyd, Michael Jackson, Madonna, U2, Metallica y muchos más que me dejo. Desde 1988 hasta la actualidad dime que bandas tienes ese nivel, dime solo 10…. ¿Quién es el nuevo Elvis? ¿Quiénes son los nuevos The Beatles?

¿A quien ves como el relevo de los grandes… qué grupos sustituirán a gente como vosotros dentro de 10 años…?

Por desgracia no veo un futuro muy brillante. Las descargas y los intercambios de archivos han destruido las compañías discográficas. Y, por lo tanto, las nuevas bandas lo tienen bastante más difícil que lo que lo tuvimos nosotros. Ellos están regalando su música gratis por internet Y por lo tanto no pueden darse el lujo de invertir ni tiempo ni dinero en ellos y su profesión. Por lo tanto, casi no hay nuevas bandas que llegarán a estrellas. Incluso los Foo Fighters tienen una carrera de más de 20 años de edad…

Siempre se ha hablado de Slipknot como la gran promesa a ocupar ese hueco que se va a generar en una década… Ellos como vosotros, son la única banda que ha alcanzado el éxito llevando maquillaje o máscaras. ¿Crees que llegarán a ser unos KISS, o el hándicap de su música mucho más agresiva, mucho menos digerible, les dejará en ser una banda grande sin más?

Yo escribí el prólogo de su libro, son una banda muy impresionante y me gustan mucho. Pero camina por cualquier calle, en cualquier ciudad, en cualquier país y pídele a la primera persona que veas que te tarareé una canción de ellos, o quién está en esa banda. Y ya no hablo de ellos, sino de cualquier banda… veras como la mayoría de la gente no tiene ni idea de lo que estás hablando… ¿Quién es el futuro?…

¿Qué es lo más difícil de ser una estrella del rock, llegar, mantenerse o simplemente saber llevarlo?

No hay una respuesta a eso y no hay ningún secreto ni reglas a seguir para alcanzar el éxito. Porque si lo hubiera todos seguiríamos ese mismo camino. ¡Si sucede simplemente es que estas haciendo lo correcto, en el momento adecuado en el justo lugar!

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GUNS N ROSES: LA VERSIÓN RENOVADA DE UN CLÁSICO.

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Sería bastante difícil responder o incluso pensar una respuesta a ¿por qué triunfaron GNR?, ¿Qué los hace tan buenos? ¿Cuál es su secreto? Y seguramente ellos tampoco podrían responder, pero hay ciertos aspectos que nos podrían al menos acercarnos a una respuesta correcta. 

Era una época en la que lo único que veías en la escena del Hard Rock eran bandas vistiéndose cada vez de manera más femenina y tocando lo que se conocía como el Glam Rock. Lo que en un principio se considero como algo fresco y vanguardista dentro del Hard Rock se empezaba a homogenizar de manera alarmante y llegó lo inevitable. 

Los fans del rock necesitaban algo nuevo que rompiera con todo, algo prolífico y directo. Así que un día la todopoderosa por entonces MTV estrenó un video donde un joven de pelo largo pelirrojo bajaba de un autobús. Sinceramente no parecía el video que iba a romper con todo y nos iba a salvar a los amantes del hard rock más directo pero solo con escuchar el riff de entrada ya te hacia abrir los ojos hasta que se te salieran de las órbitas y abrir bien los oídos. A partir de ahí fueron uniéndose todos los elementos de Welcome To The Jungle y nació realmente GUNS N ROSES.

Aquella canción envió al mundo de la música a una locura en espiral sabedor que había llegado un gran regalo para el mundo del rock y la música en general. Y a partir de ahí fue un éxito tan otro. 

Pero… ¿Qué les hizo tan grandes y longevos en las cabezas de los fans?

La apariencia no lo es todo en una banda, pero ayudó mucho a estos chicos. GNR tienen un aspecto distinguido que, en última instancia, podríamos definirlo como un “rock duro con toque sureño”. Cuando llegaron a la escena de LOS ANGELES se presentaron como una “interrupción de patrón” sobresaliendo y haciéndose notar y volviéndose reconocibles en una era llena de glamour. Uno de sus grandes secretos de éxito fulgurante. 

Su sonido tiene un enorme factor que influye definitivamente. Un toque sureño que llegó a la música como una bocanada de aire fresco. Lo incorporaron maravillosamente a la música convirtiéndola en atemporal. Aquel sonido clásico se había vuelto agresivo y agarraron al público con él por el cuello y lo sacudieron hasta marearlos. Fue aquel estilo entre lo clásico y lo violento lo que causo un verdadero impacto en medio de tanta melodía endulzada y estribillos previsibles. 

Su ruptura tuvo una situación única. Se produjo en el mayor momento de popularidad de la banda y fue un auténtico shock para sus fans y todos aquellos que amaban ciertos aspectos de la banda y su música. Desde el momento del anuncio de la disolución la gente empezó a suspirar por su reunión, pero el hecho del momento hizo que desaparecieran de la escena justo antes que todo el mundo pudiera cansarse de ellos. Hasta llegar la exigencia de una reunión por parte de los fans y el mundo de la música que consiguieron casi con todos los miembros originales. 

Pero como todas estas bandas gigantes, tienen una historia secreta. Con ellos nunca sabías que podía pasar, como aquel 17 de julio de 1993 después de tocar ante 70.000 fans en Buenos Aires. Un concierto que cerraba una gira de más de 195 fechas por 27 países durante dos años y medio, dijeron que nunca más volverían a tocar juntos. 

Y a pesar de creerlo o querer hacérnoslo creer, siguen sin volver a tocar juntos. 

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ELECTRIC DRINKS

¿QUÉ BANDAS DE METAL HAN CREADO LAS MARCAS MÁS PODEROSAS?

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Aunque tradicionalmente se ha considerado que las bandas de metal están fuera de la corriente principal comercial de la industria de la música, la comercialización desenfrenada ha tenido lugar en el mundo del metal durante hace algún tiempo. Entre acuerdos de marca, patrocinios y lanzamientos de productos, incluso las bandas de metal no pudieron evitar las realidades comerciales asociadas con la gestión de su negocio.

Aunque la reacción instintiva de los puristas del metal ante este tipo de marketing suele ser el rechazo, no deberíamos ser tan rápidos en descartar esta tendencia.De hecho, es seguro decir que, al aceptar las realidades comerciales de la industria de la música, algunas bandas han podido extender el alcance global del metal, y la subcultura asociada con él, a niveles aún mayores.

Dicho esto, ¿qué bandas de metal son las más exitosas comercialmente? ¿Y cómo construyeron marcas tan fuertes?

METALLICA

Cuando se trata de éxito comercial, hay pocas bandas que hayan alcanzado las alturas de Metallica . Desde su creación a principios de la década de 1980, se ha convertido no solo en una de las bandas de metal más taquilleras de todos los tiempos, sino también en una de las más taquilleras de cualquier género.

De hecho, Metallica ha tenido tanto éxito durante sus cuatro décadas de giras que ha recaudado aproximadamente 1400 millones de dólares. Esa es una cifra realmente asombrosa para una banda que toca música muy alejada de lo que uno podría considerar “comercial”.

Además de saber cómo producir álbum tras álbum de música que define el género, Metallica también ha demostrado tener una increíble visión para los negocios. Junto con un calendario de giras implacable y la venta de más de 125 millones de álbumes en todo el mundo, Metallica ha fortalecido su marca a través de una estrategia comercial de gran alcance.

Este enfoque incluye empresas comerciales convencionales como “merchandising” y acuerdos de licencias de música, aunque, según el baterista Lars Ulrich, Metallica rechaza la gran mayoría de las empresas que se acercan a ellos para acuerdos comerciales.

Esta estrategia comercial también implicó vigilar de cerca la marca Metallica, con la banda luchando constantemente contra las marcas registradas y los derechos de autor para proteger su propiedad intelectual.

GUNS N ROSES

Quizás la banda más emblemática de Los Ángeles de mediados y finales de la década de 1980, Guns N’ Roses es una de las bandas de metal más populares de todos los tiempos. De hecho, pocas bandas de metal han logrado alcanzar el mismo nivel de popularidad que Guns N’ Roses en su carrera de décadas.

Es aún más sorprendente teniendo en cuenta que la banda ha tenido una historia tumultuosa, experimentando varias formas de pausas y rupturas a lo largo de los años.

A pesar de todos estos altibajos, la marca Guns N’ Roses se ha mantenido fuerte, gracias en gran parte al estatus icónico que sus productos han logrado a lo largo de los años. ¡Sería difícil encontrar una tienda vintage que no tenga algún tipo de camiseta genérica de Guns N ‘Roses en estos días!

Sin embargo, no son solo los acuerdos de licencia y comercialización los que han mantenido fuerte la marca GNR a lo largo de los años. El grupo también ha fortalecido su poder de marketing a través de varios otros acuerdos de marca.

Quizás el más exclusivo de estos es el acuerdo de marca que GNR tiene con los desarrolladores de juegos de casino en línea. Guns N’ Roses es ahora el rostro de un juego de tragamonedas en línea increíblemente popular, desarrollado por uno de los desarrolladores de juegos más destacados en la industria de los casinos en línea.

Obviamente, los esfuerzos de marca de GNR han valido la pena en países como Finlandia, que tiene una larga historia con el Metal y el Rock . Esto también puede explicar la popularidad de los casinos en línea y las tragamonedas en Finlandia, que se cree que es un mercado entusiasta de los juegos de azar. La naturaleza multinacional de la industria ha creado inevitablemente opciones en finlandés, lo que da como resultado juegos que los finlandeses tienden a disfrutar.

IRON MAIDEN

Sería negligente enumerar las bandas de metal más taquilleras sin incluir a Iron Maiden .

Pioneros de la nueva ola de heavy metal británico a finales de la década de 1970 y principios de la de 1980, Iron Maiden ha vendido desde entonces más de 100 millones de álbumes en todo el mundo. Esto a pesar del hecho de que, a diferencia de otros íconos del metal como Metallica y Guns N’ Roses, Iron Maiden recibió relativamente poco apoyo de las principales emisoras de radio y televisión.

Esta falta de apoyo, sin embargo, no restó valor a su éxito comercial. A pesar de estar firmemente arraigado en la franja de pelo largo de la industria de la música, Iron Maiden ha generado cientos de millones en ingresos a lo largo de los años.

De hecho, Iron Maiden ha tenido tanto éxito que es difícil no ver más del 80% del publico de sus conciertos con una camiseta de ellos. 

Además de los acuerdos de licencia y las ventas de merchandising, Iron Maiden ha reforzado el poder de su marca a través de astutas iniciativas comerciales, como la creación de su propia cerveza, un movimiento particularmente inteligente dado que pocas cosas combinan mejor que el heavy metal y la cerveza.

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